云飞扬的博客

这当然又是一部关于爱情的电影，最大的区别在于，如今的观众、媒体和写字的人，又有了太多新词汇做武器。额的神，很明显高帅富啦屌丝啦白富美啦等等会充斥在各种版面上，好吧，阶层分化自古以来就有，也不仅仅是于今为烈。张柏芝、景甜、权相佑、成泰燊等主演的《影子爱人》，由香港著名填词人潘源良跨界执导，所以我把本片看作是潘源良用光影填写的一首情歌。

从小居住在旺角，听许冠杰、温拿、郑少秋长大的潘源良，喜欢连环漫画，对艺术有着深刻的理解，相信深情与至诚是感动之本。《影子爱人》与普罗大众的生活有些距离的生活，可以看做是创作者对现代恶公主、街坊灰姑娘和职场小王子的再创造解读。潘源良为林子祥、林姗姗等人的歌中，多用副词和疑问词，以《最爱是谁》为最著名，追问的当然还是谁可相依过一生。

“何谓爱？谁让我找到爱的证据？”情歌最能问个不休，从崔健、达明一派到林子祥、蔡依林，天南地北都是如此。爱情不只是三十六计、现象也不仅有七十二变，在当下都市森林中，有钱、有情但无闲的现代男女的“十万个为什么”，为什么缘铿一面，为什么阴差阳错，为什么咫尺天涯，为什么无事生非与缘牵一线会鱼贯出现？权相佑的好命，在于他其实还可以选择，而张柏芝饰演的两个人，都可以演回过去，又可以向前一步，改变。替身爱上本尊的爱人，权相佑一则以喜一则以忧。他必须选择，谁可相依。

正如填词人是被动的，只能在既定的旋律在既定的旋律中选择，很多时候做导演也是如此，电影故事往往是出品人、制片人甚至明星、编剧的折冲中敲打，导演只能是妥协。潘源良曾经为《龙的心》填词，《谁可相依》由苏芮演唱，咏叹洪金宝与成龙的兄弟之情。潘源良相信，智与愚从来便难以界定，而强与弱也是如此。卖花女和富二代在感情的舞台上，取决于他们遇到的人和时间。爱情不是法律，没有天平可以判定，关键在于情和理，真是潘源良一贯的主题。

《影子爱人》是当前单身男女量子化生存的现状寓言，他们的情感走向好像盒子中薛定谔的猫，下一秒的心态会如何，其实自己都不知道，而观众却早就为他们做好了打分、选择。爱情要什么因果，那么主观，就好像薛定谔的猫，生或死，有木有，谁知道，便可纠结、便要疑问、便非得求个答案，而过程最是有意思。灰姑娘要冒充富二代，当然是最暧昧，暧昧则向来是情歌的好素材。爱情故事的讲法，比紫禁城的房间还多，每个人的心房都有着不一样的期待。最后还是重温《谁可相依》，“试问谁人能够相依过一生，即便将前途统统牺牲也肯？昂然前去不必再担心，远或近原来不必再追问。只要浓情陪我相依过一生，孤单中仍然可找到你心，跟我极近。”

《复仇者联盟》接连缔造票房神话，影片质量可见一斑。而且，影片的出现也给中国电影人好好上了一课，因为在“联盟”看来，拍电影就像是下一盘大棋，之前的《钢铁侠》、《绿巨人》、《美国队长》等等都是棋子，而此番英雄大集合才吹响了落子进攻的号角，各棋子最终将会摆出的一个无与伦比的超级品牌。这便是令人生畏且值得敬佩的好莱坞。

影片并非是各路超级英雄的大杂烩，因为上世纪60年代，“复仇者联盟”已经是Marvel公司成熟的漫画系列了，所以，此番联盟归来毫无拼凑的感觉，每个人物各司其职，组成了完美的团队。表面看来，诸路英雄差异性极大，这既体现在能力上的差异，也反映在人、神、超人的身份差异上。不过，影片并没有厚此薄彼，而是通过诸如钢铁侠与雷神、雷神与绿巨人等人之间的对战，使人物设置较有均衡性，在展现人物性格的同时，错落有致的分配了每个人的银幕时间。进而，影片巧妙借助叙事技巧，以一位特工人员的死亡达成了联盟之间亲密的合作关系。所以，观众会在影片中看到合理的生态布局，能飞的钢铁侠主要承担空中保卫任务，不会飞的美国队长、黑寡妇、鹰眼等人就在地面负责阵地战，愤怒的绿胖和雷神则确保了全方位立体化作战的形成，可以说每个英雄都把自己的能力发挥到极致。

影片对各人能力的展示更主要的服务于对“联盟”的强调上，确切的讲是对于集体精神的宣扬。其实，对于英雄主义以及集体主义的宣扬延续了漫画原著的基本精神，这一点既体现出上世纪60年代Marvel公司对抗DC公司所秉持的公司核心价值，即以英雄团体的力量对抗单个超级英雄的单打独斗，同时也符合当今的普世价值，即对团结合作以及正义性的宣扬和认可。影片对于团队的强调以及通过团队力量赢得胜利是世界各地观众普遍能够接受的价值观，所以也才会有令人羡艳的全球票房成绩。

在叙事上稳扎稳打的同时，影片对于刺激性场面的表现同样不遗余力，工业光魔和维塔特效的组合绝对值得信赖，从单个英雄到抱团抗敌可谓逐渐升级，不管是各路英雄出场时的炫技场面，还是联盟内部成员之间的互相打斗，直至外星人大举入侵后的最终决战，都给观众带来超凡的视觉体验。尤其配合着3D效果、IMAX以及轰鸣的声效，更加为上天入地、爆破场景等添上令人震撼的翅膀。直面而来的子弹、机器碎片、超强光束以及男女英雄们的身体展示，此番身临其境般的视听体验充分彰显出联盟复出的强大气场。所以，超级英雄的集体来袭非常有必要享受超级的观影礼遇——3D+IMAX。

正如美国作家艾萨克·阿西莫夫的《银河帝国》科幻小说所打造的“银河帝国”一样，《复仇者联盟》也在打造人、神、超人者在宇宙之间形成的权力系统，从这部影片来看，基本的格局已经形成，所以，这部影片仅仅只是一个完美的开始，它的成功表现也必将会引领“复联”的再度袭来。作为观众，我们幸运的见证了一个超级品牌在大银幕上的诞生。

“微电影”这个概念，几乎不可考证其最初命名者，但在我有限而尽可能的观察中，网易娱乐的黄星似乎是最早提出这一概念的业内人士。据他本人讲，脑海激荡来源于微博时代的短片创作。微电影的概念本身，就说明了当下社会处于碎片化关注的时代，微电影的传播与网络信息传递的脉动息息相关。微电影的发展史，在中国与微博同步，微电影的卖点和盈利模式依附于社交网络。

在网易之后，优酷通过“11度青春”、新浪推出“四夜奇谭”、搜狐发力“7电影”，将微电影的概念普及。2011年，网络长视频收购价高企，微电影开始蓬勃发展。2012年，长视频收购价大幅回落，微电影的创作与营销呈现加速度趋势。2010年，中国微博用户超过1亿，进入后现代版的“竹简时代”，人人发言都好像写《道德经》的老子，或者是像孔子门徒一般、时刻准备记录或转帖、评论，每个人都是特别版的《论语》作者和编辑者，这1亿人至少囊括了一多半的各行业的意见领袖、相当比例的活跃粉丝，他们关注最新事物。微时代的国人，关注热点更加集中、迅速和直接，看似微动力其实更为惊。2012年初，中国微博用户超过2亿。

据不完全统计，2011年共生产2000部左右的微电影，投资从几乎无成本到8500万元，最高记录由姜文导演的《看球记》所创造，由佳能定制。《2012》给中国人制造了一个有关世界末日的说辞，无数中国人乐此不疲的加入传播链，优酷由此邀请许鞍华、顾长卫、蔡明亮和金泰勇担任“美好2012”系列的导演，“大师微电影”的四部微电影，全部都是由残忍、严酷、悲哀开始，最终通过淡然、曲折、逆袭、噪杂等处理方式，最终给观众深浅不一的“美好”之感触。

微电影已然是当前视频制作中最机动灵活的方式，电影和电视剧受制于审查制度，运作流程也很是漫长，对受众情绪的捕捉和引动都有相当的欠缺，而微电影则大可以抒发创作者对现实的观察，成为当下时代的视频式杂文、小品文。微电影与短片的区别，不仅仅是换个马甲，最重要的是微电影彻底拥抱商业，实验性相对较差。几乎绝大多数微电影，都与品牌、资本和渠道营销有着不同程度的关联。微传播时代的受众，注意力相对于传统时代，更加碎片化，且高度不集中，或许用“大家都是课堂上不认真听讲的学生”来比喻相对更准确。优酷、搜狐、爱奇艺等传播渠道，试图招徕受众的目光，就必须奉献出更加优质、有趣和多样化的微电影。这就需要寻找多种可能性，而不仅仅网友的自发制作并上传、制作公司的合作，也要通过彻底主导，直接与品牌、名导进行深入勾兑，打通微电影营销的全流程，制造话题放大传播效应。微时代的微营销，前景如何，值得期待。这一趋势，是历史大势，不可能再往传统折回，广告主必须适应这一进程，特别要注意中国人对于免费经济的基因型认同感。

在“网络文化”发起者、观察者和发言人凯文·凯利看来，“技术元素向共生性的发展推动我们去追逐一个古老的梦想：在最大限度发挥个人自主性的同时，使集体的能力最大化。”毫无疑问，人作为网络受众，寻找欢乐是重要理由，心与物在云时代形成共生关系。处于微博时代的大品牌和处于领先地位的网站，必须跟上形势发展，直面用户群的集体心理的变化，用户体验有了鲜明的不同，彼此在第一时间看到他人的评论和转发，即刻参与这一分享过程，无论是赞扬还是批评，却又往往超出预期，微时代的传播规律至今依然在自我进化之中，对绑定受众的诉求与受众感知的不确定之间的难题难分难解，选择的自由容易带来高关注度，也轻易就失控。这正是由于微博互动的随意性、蔓延性难以操控，碎片化、交互化机动灵活，递进式、无因式操作简单，然而究竟转化率、到达率的真实数据是否有真正的提高，目前来看，一切都处于摸索之中，云文化的营销规则尚未有效确立。

终于能有一部影片让观众说出“看不懂”三个字了，这绝非是对影片质量的否定，而恰恰指出了影片扎堆上档的局面下，《形影不离》本身的独特之处。其实“看不懂”鲜明的反映出内地观众看电影的两个通病，对于此，伍仕贤总结的非常到位，一是“习惯问题”，因为观众长时间所面对的是烂片林立的电影生态，所以，一众脑残影片所形成的观影习惯不太容易去理解一部严肃中带着调皮的影片；二是该片需要“让观众去猜”，因为有太多的观众丧失了对一部电影自我体察式的思考。

“看不懂”的《形影不离》，其实更像是一则预言，伍仕贤预言都市白领在缺乏沟通的状态下，会渐渐变成影片里的吴彦祖和龚蓓苾，他们争吵、惶惑、疑神疑鬼，甚至会像影片开始时吴彦祖那样选择自我了断。但有意思的是，面对生活和工作双重压力的都市白领们却看不懂极有可能会蜕变成的未来的自己。如果懂得将影片推及自我，那么“看不懂”的问题便会迎刃而解。

对于观众而言，或许我们并不适应影片将原本一个屌丝悲催的生活以及随之而来的黑色幽默演变为深沉的情感故事。其实影片已经做得足够智慧和易于接受，不时袭来的喜剧笑料足以让观众开怀。不过，优秀的影片在给人最舒适的外在形式之外，还必定会引导观众的思考。正如本片对于情感的探讨，影片中的吴彦祖和龚蓓苾遇到了当今很多都市白领们都会面对的问题——情感沟通。其实推敲起来，沟通不只是限制在情感上，它可以广延至工作、生活的各个方面，所以影片会拎出一个公司的故事，因为上下级之间以及同事之间必须要面对沟通问题。甚至连影片中屌丝“活雷锋”第一次行侠仗义所面对的蛮横车主也是肇因于不懂得沟通。

所以，当葛大爷极富磁性的嗓音一开腔，便一语道破了症结所在。“天天泡在自己的屎里面那才叫痛苦”，这是久违的葛大爷的范儿，虽戏谑，但是冷静地指出囿于自己的世界里，才会导引出痛苦。“自己的问题只有自己才能解决”，而解决的途径便是积极去面对，便是选择沟通，所以紧接而来的下一场戏里，吴彦祖才开始觉醒，试着与妻子去沟通。这并不非是空谈哲学，而是教人如何面对真实的生活。

影片悬疑似的叙事方式部分影响了观众的判断，同时，人物所背负的前尘故事也给观众带来了疑惑。其实，无论是吴彦祖不去处理那条死去多时的金鱼，还是龚蓓苾无法走出胎死腹中的痛苦，都在为解释悬疑似故事情节的同时，为观众提供一份生活的思考。试想，终日无法走出过往痛苦的人，如何能够专一的面对生活。走不出痛苦的吴彦祖，将自己的闭塞发展成了对现实的自我想象性解决，超级英雄的搞笑出场、巨额彩票的诞生等等情节，都成为生活失序状态下的白日梦，成为挣扎过程中的困兽斗，但是越是“天天泡在自己的屎里面”，自己离生活、离妻子才会越远。

《形影不离》将现实生活和工作中的双重压力坦诚的展示给观众，对于此忙碌的都市白领们恐怕都会深有体会。不过，并非所有人都能知晓如何走出压力以及自我闭塞所造成的混乱世界。影片末尾，吴彦祖去机场接妻子，一个紧实的拥抱，一此完全透明的沟通，简简明了。当沟通形成力量之后，被紧锁的脑子便会砰然打开，此时，作为全知观众的我们，才猛然发现凯文·史派西和小胖面对镜头笑的是那般透明，他们并不神秘，因为他们与我们一样，只是观看一场情感变幻的观众，不同的是，他们看懂了，而我们却一时惶惑。

作为一部情感浓烈的影片，都市白领一族甚至所有面临沟通问题的人群都没有理由去错过，因为影片中主人公所遭遇的问题极有可能就是你未来需要面对的问题，这些问题会与你我他形影不离。所以，“看不懂”并不是因为影片本身，而是因为观众自己并没有发现影片中自己的影子，没有看懂未来的自己。

2006年的春夏之交，从安定门到北影厂，看过三遍未完成版《疯狂的石头》。那是宁浩成名的起点，无数的影迷为之兴奋。宁浩借助独具特色、参考天下佳作的多线叙事和黑色幽默的浑然天成的本领，锻造出“疯狂”品牌。不过，当“疯狂”遭遇他人的滥用之时，宁浩已经觉察到改变的必要。2011年，悄悄的看过《无人区》。这部命运多舛的电影，告诉宁浩和我们，安全生产的重要性。《黄金大劫案》的宁浩告别青春之作，勇敢地搁置“疯狂”的招牌，他在转变，他在谋求多样性，否则将无法在不久的将来去拍摄他心仪已久的科幻电影。

宁浩的改变，在一定程度上也拉开了与影迷和影评人的期待。转变并不意味着舍弃之前的所有，作为宁浩电影最大特点的幽默并没有被放弃。在一桩布局精巧的黄金大劫案中，幽默处处点缀其中。从范伟一出场，全片的喜感就迎头袭来。虽然没有贝尔神父那般懂外语、有能力、很神秘，但是他矜持中的搞笑却是贝尔神父无论如何都学不来的。而后，各种爆笑的“宁浩制造”接连登场。其中，东北味十足的机智台词成为影片制造喜剧笑料的秘密武器。宁浩依照不同的人物身份和性格赋予人物相异的台词，但是这些台词的共同特点就是它们来自于生活本身，所以更能够让观众开怀一笑。

《黄金大劫案》以小东北为主线，将一个生性浪荡不羁却又不思进取的年轻人的命运通过“偶然”的形式嫁接起来，并最终通过几番枪炮与玫瑰，经过血染的风采洗练完成了小东北的成长。片名“大劫案”，但在影片中大劫案的表现只是较少的一部分，而且对于整个大劫案的前后，包括策划、过程等未作大规模的描绘，而是把重点放在故事事件发展的曲折反复上。黄金得而复失，失而复得，又得而复失，几经波折；小东北几次死里逃生，死而复生，生而复死，最终却又逃脱。生死、得失、爱的发生与错过、偶然的卷入与必然的成长，牺牲必须有意义，《黄金大劫案》拷问的是人存在的价值。

整天不着调的小东北油嘴滑舌，见人说人话，遇鬼说鬼话，甭管是进大牢还是被劫道，他都不改风趣自大的本性。小东北的老爹金镖十三郎整日疯疯癫癫，满口喜感十足的草民暴力革命语言。总之，无论是老班底还是新面孔，在严肃的搞笑上都圆满完成了任务。与搞笑台词相映成趣的是令人爆笑的人物动作，从小东北逃难到十字架上的神来之笔，到满身偷来的西餐具，都成为密集的搞笑区。可以说，影片以秒来计算笑料频率堪称近年来喜剧影片的翘楚。

在宁浩的电影里，喜剧和冒险必不可少，作为改变之作，《黄金大劫案》在笑声之后更有温情的情感呈现和勇敢的个人成长。观众见惯了宁浩的调皮捣蛋，却少见他对情感的表达。而在这部影片中，宁浩奉献了他电影中的首次情感元素，观众完全可以从中实现对宁浩式情感表达的诉求。在尽皆过火的喜剧之中，早已经潜藏着令人动容的情感因子。当爱情降临之时，观众绝对会惊呼，宁浩竟然会“谈恋爱”，而且是如此情深意切。不过，宁浩对情感的烘托显然想走的更远。八吨的黄金成为各种斗争的诱因，但是在爱情和亲情遭遇伤害之后，黄金也就不算什么了，如繁华随流水东去，带着小东北的决然和勇敢。有了这些情感支撑之后，有关小混混最终能够成长为一个革命者的成长主题才显得更加深沉。

《黄金大劫案》在为观众提供笑于泪的同时，也满足了观众大银幕上极具冲击力的视觉享受。本片相对圆满地完成了对于喜剧、情感的整合性表现，也实现了宁浩对于高品质电影的追求。作为观众，我们看到了宁浩勇敢的混大成人，也看到了情感给予人的伟大力量。《黄金大劫案》与《疯狂的石头》、《疯狂的赛车》不同，不再那么导演中心的游戏感，现在他的创作状态，好像徐克在1980年代初期，也与克里斯托弗·诺兰在《记忆碎片》之后相仿佛，蜕变需要影迷一定程度的违和感做配合。很多曾经的新锐导演，一再讨好观众、影评人和评委，其实很无聊。

近来直接表现警察的生活与工作，反映他们内心世界的影视剧其实并不多，而反映便衣警察这个“不穿警服的警察”群体的影视剧就少之又少了。由张多福执导，贾乃亮、吴京安等主演的《便衣支队》目前正在央视热播。该剧以广州市公安局便衣侦查支队为创作原型，讲述这个特殊群体鲜为人知的工作和生活故事。该剧于公安题材中翻出新意，第一次在荧屏上刻画了80后的新一代年轻警察的形象，其曲折而又独特的成长故事，充满青春励志色彩，极具偶像剧气质。

《便衣支队》的最大特点，同时也是其取得成功的最大原因当是一个细节的“真”字。在当下虚假俗滥充斥荧屏的时代，难得是该剧无论是剧情编写还是人物塑造，都是“真”字当头，真正做到了不戏说，不贬低，不拔高，这就使得塑造出的便衣警察英雄形象有血有肉、有情有义，显得真实可信，格外可亲可敬而又生动感人。

新新警察麦小龙。麦小龙作为80后警察的代表，他是一棵好苗子，却又状况不断。他时尚、现代、阳光，急公好义、嫉恶如仇，即便不当警察，在社会上也会经常路见不平，拔刀相助，见义勇为。但一旦选择便衣警察这个职业，其个人英雄主义情结严重，同时缺少历练、缺乏自信与韧性等弱点便暴露无疑。本剧把他的这些优点与缺点置放到他所在英雄团体的生活与工作中去，通过其成长中不断的失误与自责，犯错与纠错，展现了一个敢作敢当、有胆有识的英雄如何炼成的真实过程。这就非常到位地演绎了中国80后这一代人的群体特质，相信仅凭此一点即可吸引大批年轻观众。麦小龙的扮演者贾乃亮在本剧开播前曾备受质疑，很多人担心其太过偶像化，无法胜任此角色。但事实证明贾乃亮在本剧中的表现可圈可点，堪称完美。正是其青春阳光中所特有的细腻而又非常男人的气质，丰满地展现了80后警察麦小龙从一个愣头愣脑、只会惹麻烦的警队实习生，成长为一个敢担当、有情怀、成熟稳重的便衣警察的历程，令人感佩。

对便衣支队这个英雄群体中其他英雄的塑造也同样是本着“实话实说”的原则，塑造的几个平凡之中尽显伟大的形象令人唏嘘感叹。例如其中的“反扒神警”陈玮豪这个警官形象。他艺高人胆大，智勇双全，对工作一直以来尽职尽责，流血流汗；他对自己的徒弟麦小龙极尽传帮带，不是父子，胜似父子。但工作与照顾家庭难以两全的撕裂身心般的痛苦，以及妻子过度操劳而在饭店累倒，使陈玮豪觉得对不起妻子，还是让他萌生了退意。但在经历了彷徨与犹豫之后，他最终还是选择了重返工作岗位，全身心地投入到战斗中去，并在一次执行任务时为了保护自己的“徒弟”麦小龙献出了自己宝贵的生命。可见本剧并没有把那些为人民出生入死、立下赫赫战功的老警察们塑造成浑身上下金光闪闪“高大全”式的人物，而是直面英雄们的人性、凡人性，解剖他们一时的软弱乃至逃避等弱点，从而使得观众更能了解并理解人民警察为保护人民的利益而做出的巨大牺牲。

泰坦尼克号，沉了100年。《泰坦尼克号》，又来了。1997年，基本上没有手机和网络，那依然是信息传播的旧时代，而如今则是后工业社会的信息时代。全世界的影迷联合起来，尤其是中国影迷，首周5亿再度制造神话。为什么会这样呢？当然是或孤独或幸福的集体体验。有个段子，可以送给很多人。“十四年前，一个人在影院看Jack和Rose，十四年后的今天，仍然孤独。”

 

 

简单一句话，却道出了有关爱情、孤独、成长的十四年，但是，由于泰坦尼克号和《泰坦尼克号》，全世界的影迷可以联合起来，因为相信这部诞生于1997年的世纪杰作，带给一代人的正是这种充满了情感启蒙的刻骨铭心，起码，对于80后是这样。泰坦尼克号的旅程，有去无回，因为有爱却永恒。卡梅隆将不可能的戏码拍出来，如今更是以3D再生。有爱不死，是为希望。当年的观众，喟叹于浩瀚的大海、悲催的大船和唏嘘的爱情。如今，这些更立体，海水似乎要冲到你眼前，特别是4D版本，观众更是与角色休戚与共，Jack和Rose则在你身边，相逢、相识、相知和相爱，然而一死一生。

 

 

 

对于3D版《泰坦尼克号》在中国内地的高企票房，我只能用“报复性观影”来评价，观众苦于烂片太多，本片又对年长观众是情怀，对于新影迷是传说，即便从整版音像制品来说，卡神也只推出过HDTV版本。爱奇艺作为本届北京国际电影的重要网络合作媒体，支持本次活动的 全程报道和推广。而在北京国际电影节的一个重要环节，将向观众推广4d观影的先进技术，奥体中心的GCV影院推出4D影厅，更是令观众感到电影观赏技术的进步。回想当年的观影方式或各不相同，但有一幕却绝对有着共通的观影体验。银幕上，Jack为裸露着身体的Rose精心作画，银幕下，一干青春期少年紧盯荧幕，看着画面中丰满的Rose面红耳赤，同样难忘的，还有那车窗上的一个手印。不敢说《泰坦尼克》开启了一代少年对于情感的冲动和幻想，但起码，它助推了一群少年的勇敢，和一群少女对漂亮少年Jack的喜爱。

 

 

 

《泰坦尼克》的地位，当然并不止于这样的启发，更在于在当时电影科技的掣肘之下，所达到的视效和故事内涵的最高点。一艘大船，承载众人的梦想和希望起航，却横遭灾祸。看似简单的剧情却蕴含了众生相，一个突破了贫富与阶级、爱情与人性的剧情角逐就在一个封闭的空间中上演了，言语中的争锋相对，举止间的悬殊差异等等正是这部电影的张力所在，而每当剧情的紧张被拉到一定程度之时，卡梅隆则会将画面引到船外，用通透、浪漫的画面去制造剧情的闲适空档。很少有电影，能够融合灾难、爱情、阶层冲突、价值观的对立与面对死亡的无畏与牺牲。

 

 

张弛有度的剧情，只为迎接电影最后的大船沉没和生死离别。这一段制造了电影史上诸多的经典画面，无论是大船从中间截断，或是面对死亡淡定的小提琴演奏者，抑或是发扬人性价值让女性和孩童先走的绅士精神，都给了当时的我们从视觉到情感的高度冲击，而Jack和Rose在一块漂浮的木板上上演的生死告白，那段台词至今还是让人记忆犹新的。

 

 

一部在影史上能够牛掰的电影，它的成功往往在于多方面，之后莱昂纳多成了好莱坞巨星，凯特·温丝莱特潜伏多年成了奥斯卡影后，詹姆斯·卡梅隆成了詹神，更值得一提的是一首《我心永恒》历久弥新，至今仍感动着世人。不得不说，《泰坦尼克》的伟大是全面和恒久的，因为在那之后的多年，人们很难再在荧幕上既体验了大片的快感又得到感人的情感荡涤，即便是詹神的力作《阿凡达》，似乎也与《泰坦尼克》差了那么一点。

 

 

所以，如今《泰坦尼克》能够得以以3D的面貌重新上映，对我等70、80后来说，绝对是一件非常曼妙的事情。毕竟我们中的很多人，当年或许没有机缘在大银幕上去一观Jack和Rose的风采和大船毁灭的震撼。对于90后，他们将与我们一起发现《泰坦尼克号》的特别，而不仅仅是高科技的形式。更年长的、更年轻的影迷，都可以以自己的方式来感受历史、电影与爱。

 

 

 

设想一下，3D、4D《泰坦尼克》将要带给我们的，是融合了最新电影科技的焕然一新，一种更为身临其境的观影感受。今天的我们，很多人已尝过了爱情的酸甜，重看这部《泰坦尼克》的过程就变得意义非凡起来，这将会是一次十四年人生的回忆之旅，也会是建立在生活之上对于爱情的全新体验。

作为加盟华谊后推出的首部作品，制片人张海东依然延续自己对情感渲染的创作理念，将情感演绎作为《最后一枪》的鲜明特色。所以，在这部融谍战、爱情、亲情于一炉的谍战大剧中，除了惊险刺激的谍战动作外，还始终贯穿着深沉的情感内涵。

《最后一枪》讲述上世纪30年代抗战初，陈氏三兄弟因为革命信仰不同，注定要上演的一场生死“无间道”的大戏。在令人唏嘘的兄弟纠结之外，该剧还安排了男女主人公因身份对立而建立起的难以名状的爱情纠葛。从总体来看，《最后一枪》着力在三个字上下功夫——智、情、信。

作为一部谍战剧，《最后一枪》下了一盘悬疑大棋。一门三兄弟，大哥是国民党情报站站长，二哥是中共地下党头目，老三则整日吊儿郎当的做大侠梦。当风雨之夜，二哥被大哥枪决后，老三陈泽慢慢建立起自己的信仰。如此纠结的兄弟情，实在虐心。而陈泽进入中统，潜伏在大哥身边则更加使谍战笼罩了重重迷雾。在这盘悬疑大棋里，男女主人公的爱情故事有效地起到了推波助澜的作用，这段爱情同样充满波折，两人效力不同政党，在面对爱情和信仰的同时，爱与不爱，对与错的情感张力始终悸动。

尤其值得一提的是情感因素贯穿始终，无论是三兄弟的手足之情还是革命斗争背景下深沉爱情，都显示出难能可贵的深刻和细致。当自身信仰和手足之情产生强烈冲突之时，每个人总要做出选择，即便是迫不得已，但无论结果如何，《最后一枪》没有冷落情感的力量。当手刃二弟之后，作为大哥的陈恩内心无比痛苦，他毕生珍藏着的二弟的眼镜成为他永恒的伤痛，而当他拿枪指向三弟之时，手足之情终于无法使他将子弹射向亲生弟弟的胸膛，他是一个丰富立体的悲剧性人物，一生都苦苦挣扎在家族亲情和革命信仰之间，所以只能鸣枪叩问苍天。

与智、情相得益彰的是对信仰的关注。从一个游手好闲的“富二代”到正义的英雄人物，陈泽的成长轨迹反映出了革命信仰对于人格的锻造，而面对爱情与亲情的考验，这份信仰的坚定更显弥足珍贵。无论是正面人物还是反面人物，该剧都将信仰作为其行动乃至生存的支撑。这种处理方式避免了对人物的刻板化、单面化的塑造方式，使人物更具有真实性和可信性。

《最后一枪》的时间跨越国共对立、抗日战争中的国共合作到战后国共的再次对立，在波澜壮阔的大时代背景下，层层推进展现了一个革命者的成长史。相互交织的个人命运与国家命运，纠结一处的兄弟情和爱情，不同追求下的生死对决，云里雾里中的追逐较量。更值得一提的是，该剧通过表现地下革命工作者在特殊情境中情感与理智的矛盾，从而凸显其坚定的革命信念，在人物关系充满戏剧性的演变过程中，寄寓了对于理想和信念的执著追求，可以说是以一种独特的方式，揭示了人的生命的价值和信仰力量。

从整部剧可以看出谍战剧发展的新方向，即已经由单纯的追求情节的曲折性，逐渐发展到了融情感因素于情节发展之中；从单纯追求人物性格的鲜明性，演变为充分利用人物的成长过程，以展现其性格复杂性。《最后一枪》不是谍战剧的终结，而正如影片中沈雪清所希望的那样，开启一个新的时代。

众所周知，战争影片一直是苏联电影的重要创作题材，围绕国内战争和卫国战争等真实的历史背景，诞生了一大批优秀的战争电影。《兵临城下之决战要塞》同样根据卫国战争时期真实战争改编而成，这使得导演在影片开始之前就揭晓了战争的结局，可以说这是一部没有悬念的电影，这是一场没有悬念的战争，但是它们所铸成的震撼毋庸置疑。说一句圈子笑话，本片是绝对比《猛龙》还要猛。

对观众而言，这场战争的结果已经不再重要，在一座注定会沦陷的孤城，引人之处被转移到几千将士喋血孤城的过程，所以影片才以浓墨重彩的笔调渲染了战争的惨烈。不计结果，才能突出过程，将战争的情景和战时个体的生命轨迹凸显出来，在残酷的战争中彰显真善美。

影片既全面呈现了要塞保卫战的总体格局，又聚焦个人，表现了战争状态下的个体生命。日期时间以字幕形式出现，带着历史的庄重感，影片以此为节点，形成了战前、中、后的线性叙事，战前明丽的画面和充满生机的景象，与战争中的冷峻图景和惨烈战况形成了鲜明的对比，产生了直逼人心的情感张力。多场战争场面凸显了残酷的战争过程，这些场景继承了苏联战争影片的不凡气势和对战士英勇气概的表现，同时也借鉴了好莱坞影片中对细节的关注和视觉的奇观呈现。主人公沙思卡说：我想象过战争，却没有想到它如此突然、简单、恐怖。战争的惨烈直击而来，刻在惊慌失措的每个人的脸上，遗留在守城战士残缺的身体上，印在被坦克碾压过的死尸上。

战争题材影片深刻与否，很大程度上取决于对战争状态下的个体生命的表现到达何种深度。面对残酷的战争，影片中个体生命的脉动张扬着人性的感动，最大限度的使观众产生与角色的共鸣。影片并没有过分夸张德军的丑陋与罪恶，而是着墨于苏军的英勇和坚守，最大化地型构了影片的正面性情感。少年个人化的叙事视角使影片在战争之余平添一份舒缓的情感色彩，也串联起一个个鲜活的生命，借此形成了影片的情感脉络。沙思卡和安雅垂钓的平静水面被炮火搅动；小伙子和售货员的甜蜜热恋被炸弹扣杀；彼得上校听到第一声炮响，就吻别妻子卡秋莎，冲向要塞组织保卫战；被德军包围的沙布洛夫斯基大尉为了不做俘虏，送走妻子后举枪自尽……这些小人物被战争推向了历史的舞台，他们无奈、受伤，却又在时势中尽显英勇伟大。 

“这里是布列斯特要塞，这里是布列斯特要塞，我们仍在战斗……我们需要援助！”，从始至终这句话都在被发报员重复再重复，孤城勇士永远也得不到回复，但是这声音却久久回响在历史的天空中，让这个毫无悬念的战争带来无尽的震撼。无尽的旷野中，只剩下孤单的沙思卡，暴雨袭来，冲刷着世界，将影片开始时的明丽祥和重新带回人的心里。

这是一部编导奔着表现唯美爱情去的电影，几乎每个看过的人都这样说。所谓唯美，在某些意义上就是说，这是把现实简化了又简化，变形了又变形，只剩下适宜的外观的东西。就像小姐在不知不觉中由尊称变成从事特殊行业的代名词一样，唯美也由纯真完美变成了虚假幻想的敬称。然而，我们仍然不会放弃唯美，试图去触摸，借着这个名词做一些事。在很多时候，我们知道唯美本身的虚幻性，但我们即依旧迷恋这种虚幻，因为我们喜欢那些被称为美的东西，无论它是幻影还是实在。
　　
　　人类的存在并不只需要物质，它还需要美，需要诗意的生存。或者说，这个世界不光是用来生产、制造的，它同时还是我们用来欣赏的，甚至，在某些时候，欣赏比生产更重要。《金刚经》说：“一切有为法，如梦幻泡影，如露亦如电，应作如是观。”既然世界并不如我们想象的那般坚实，刹那间的感悟就不见得如我们认为的那样短暂。
　　
　　《倾城之泪》一开始就将生命逼入绝境：如果明天你就会死去，你最想做的是什么？在医院里，一群重症儿童面对镜头在许下一个个心愿。本来，面对在拥挤的日常生活中稍显绵长的生命，我们有时也会无聊地拿这类问题来打发时间，然而我们绝不会把它当作一个严肃的问题。可是，当生死真的来临的那一刻，谁还会真的有以前的从容？像剧中游乐那样歇斯底里的有之，或者万念俱灰也有吧。即使如给力妹那样总把阳光的一面展现给人的，内心也总有挥之不去的恐惧吧。
　　
　　给力妹说，我们两个都是快要死的人。然而，只要站在更高的点上看时光，我们都是快要死的人，因为在时间的长河中，人生的一生匆匆如电火石光。事实上，我们每天都以自己想象不到的速度临近死亡的界点，一如海德格尔所说的——向死而生。时间给留我们的很少，所以我们在有限的存留时间里总想做一些自己认为有意义的事，让自己的生命不再空虚。
　　
　　可能很多人说，这部电影的三个故事很游离，并没有统一的地方，仿佛就如《一千零一夜》那样，通过故事套故事的方式勉强连接在一起。然而，细读一下其实这三个故事的结构很好理解：第一个故事讨论爱的真谛，游乐在与给力妹的交往中逐渐明白，爱不是占有，而是真心希望对方能好好的过好在世上的每一天。而只有在给力妹离世之后才真正领悟到这一爱的真谛。而这其中老校长跟妻子的爱情离是一份催化剂，引导两人体会真爱，那群身患重病的孩子则是一群爱的天使。当游乐真正了悟后则转入第二个故事：老校长与妻子的爱情是领悟了真谛之后的真爱式生存，这种真爱又给了杨琳跟丁大可以力量，它帮助小提琴手杨琳战胜了失聪的困难，重新拿起提琴。而第三个故事则叙述爱与无常命运之间的抗争，陈升与小彩这一对命运捉弄的情侣在命运的风暴面前不断抗挣却终于破灭的故事，尽管爱情最后是一个悲剧，可是爱却在其中升华。可以说这是爱的三部曲，因为明悟了爱的真谛才平静的去爱，去对抗生命中的不测。
　　
　　生命如此短暂，每一个生命都如同初春的雪花，转瞬即逝。茫茫的时空中，我们相遇，然后用自己的融化来温暖对方的心灵，这就是《倾城之泪》，在爱人的泪光中融化就是一种幸福。本片的名字起得很好，本文大可以看做是对故事梗概的过度感慨，因为那些生死相随的意外，看过不少，SO，借题发挥。